Jones, Lois Mailou 1905-

En bref…

Enseignement de l’art

À Paris et retour

Découverte de la culture d’Haïti

Ouvrages choisis

Sources

Peintre, éducatrice

En 1937, Lois Jones se trouve là où beaucoup de jeunes peintres américains de l’époque pensent qu’il est essentiel d’être : à Paris. Elle était déjà une éducatrice respectée à l’université Howard de Washington, D.C., avant de recevoir l’argent de la bourse dont elle avait besoin pour voyager à l’étranger. Fervente admiratrice de Cézanne, Jones s’est rendue à Paris pour étudier les styles artistiques européens tels que l’impressionnisme et le cubisme, afin d’ancrer davantage son travail dans la tradition classique ; mais quelque chose d’autre s’est produit là-bas – elle a découvert son héritage africain.

Jones a ressenti un sentiment de liberté en entrant dans une ville où le racisme existait encore, certes, mais pas de manière aussi intense et ouverte qu’aux États-Unis. En outre, Paris était à l’époque « en proie à une fièvre africaine », comme le dit Jones. L’art africain étant abondamment exposé dans la ville, Jones a commencé à acquérir une éducation dans les traditions de l’art noir, qu’elle n’avait pas pu recevoir aux États-Unis. Cela l’a conduite à peindre Les Fetiches, une peinture de masques africains réalisée dans un style moderniste. Elle est devenue l’une des peintures américaines les plus importantes de la première moitié du vingtième siècle, car elle a introduit l’utilisation de thèmes et d’images africains auprès des peintres américains de formation classique.

Lois Jones attribue son dynamisme et son ambition à son père qui subvenait aux besoins de sa famille en tant que concierge d’immeuble lorsqu’elle est née. Il suivait également des cours à l’école de droit le soir. Il a obtenu son diplôme de droit dix ans après sa naissance, à l’âge de 40 ans. D’autre part, le penchant artistique de Jones a dû venir en grande partie de sa mère, une esthéticienne qui gardait leur maison magnifiquement ornée à tout moment avec peut-être les mêmes couleurs vives qui figureront plus tard dans certaines des œuvres de sa fille.

La jeune Lois savait ce qu’elle voulait faire et a fréquenté une école secondaire pour les arts pratiques. Imitant son père, elle a commencé un modèle qu’elle continuera à suivre et a pris des cours supplémentaires sur le côté, cette fois en dessin au Musée de Boston. Au cours de ses années de lycée, elle a également aidé la costumière Grace Ripley à fabriquer des costumes pour une compagnie de danse de Boston. Jones a dit à Titobia Benjamin dans une interview dansEbony que les masques qu’elle a fait pour ces danses étaient en quelque sorte son premier contact avec l’art africain.

Comme Jones avait reçu son éducation secondaire avec une bourse, elle a été admise au Musée de Boston

At a Glance…

Bom 3 Novembre 1905, à Boston, MA ; fille de Thomas Vreeiand et Carolyn Dorinda (Adams) Jones. Marié à Louis Vergniaud Pierre-Nobel, 1953.Education : École des beaux-arts du Musée de Boston, diplôme, 1927 ; École normale d’art de Boston, certificat d’enseignement, 1928 ; Université Howard, A.B., 1945. A fréquenté la Designers Art School, 1928 et l’Académie Julien, Paris, 1938.

Palmer Memorial Institute, professeur 1928-30 ; Howard University, professeur d’art, 1930-45, professeur, 1945-77, professeur émérite, 1977-.

Collections sélectionnées : Metropolitan Museum of Art, New York ; Boston Museum of Fine Arts, Boston, MA ; National Portrait Gallery, Washington, DC ; Hirshhorn Museum, Washington, DC ; Corcoran Gallery, Washington, DC ; National Museum of American Art, Washington, DC ; National Women’s Museum of Art, Washington, DC.

Prix sélectionnés : Diplômes honorifiques de l’université Howard et du Colorado State Christian College ; prix Robert Woods Bliss, 1941 ; première place, concours du National Museum of Art, 1949, 1953, 1964 ; première place, prix Luban de l’aquarelle, 1958 ; prix Franz Bader, 1962 ; prix Alumni de l’université Howard, 1978 ; prix Candace du Metropolitan Museum of Art, 1982 ; prix d’honneur du Women’s Caucus pour une réalisation exceptionnelle dans l’art, 1986.

Adresses : Bureau- 4706 17th Street NW, Washington, DC 20011.

Programme de l’école des beaux-arts sur la base de gagner la très contestée bourse Susan Minot Lane en design. Elle y a notamment eu pour professeurs Alice Morse et Anson Cross. Elle est l’un des premiers Noirs à obtenir un diplôme de cette institution, auquel s’ajoute un certificat d’enseignement de l’art, qu’elle a obtenu en même temps à l’école normale d’art de Boston. Ludwig Frank, un designer de renommée internationale, enseignait dans une autre école d’art, la Designers Art School of Boston. Le travail de Jones a attiré l’attention de Frank, qui lui a obtenu une bourse pour étudier avec lui. Son travail dans le domaine du design lui permet de subvenir à ses besoins pendant les quelques années suivantes en créant des motifs pour les rideaux et les tissus d’ameublement.

Enseigner l’art

Malgré la poursuite de ses études à Harvard et Columbia, Jones est déçue lorsqu’on lui annonce qu’il n’y aura pas de poste ouvert pour elle à la même école du musée où elle s’était épanouie en tant qu’étudiante. Henry Hunt Clark lui suggère plutôt de chercher un poste dans le Sud où elle pourrait aider son peuple. Jones postula à l’université Howard, mais il était un peu tard et James A. Porter, qui écrirait plus tard un article perspicace sur son travail, avait déjà obtenu un poste dans le département des arts. Aucun autre poste d’enseignant n’étant ouvert, Jones décida de suivre le conseil de Clark et de se rendre dans le sud.

L’un de ses professeurs à la Museum School, Charlotte Hawkins Brown, lui trouva un emploi au Palmer Memorial Institute, l’une des premières écoles préparatoires noires du pays, en tant que responsable du département artistique. Comme beaucoup d’autres jeunes professeurs de prépa enthousiastes ont dû le faire avant et depuis, Jones a également dû être entraîneur d’athlétisme et diriger des activités extrascolaires telles que la danse. En tant que directrice du département artistique de Palmer, elle a invité le directeur du département artistique de l’université Howard à venir parler à ses élèves. James Vernon Herrin, qui était également le fondateur du programme d’art de Howard, a vu immédiatement qu’elle tirait un niveau de réussite inhabituellement élevé de ses étudiants.

Herrin a invité à Jones à enseigner l’art à Howard. Elle y restera jusqu’à sa retraite en tant qu’enseignante en 1977. Ses élèves la considéraient comme une enseignante exigeante, capable de critiquer leur travail et qui n’hésitait pas à montrer son mécontentement à la classe. Un étudiant qui a participé en 1995 à une exposition à l’université Howard des travaux de Jones et de ses élèves les plus distingués s’en souvient : « Votre travail était critiqué devant la classe, et elle pouvait être vraiment brutale. Je me souviens avoir été très en colère et blessée… Mais lorsque vous répondiez à ses critères, lorsque vous progressiez, elle vous aimait comme une mère ». La technique de Jones a dû fonctionner. Parmi ses élèves qui ont poursuivi d’éminentes carrières artistiques figurent David Driskell, Alma Thomas, Elizabeth Catlett et Sylvia Snowden. Moins connu en dehors de son domaine, Edward T. Wellborn, qui a suivi des cours de design avec elle et est devenu le designer en chef d’Oldsmobile.

To Paris and Back

Au bout de sept ans, les éducateurs de collège se voient généralement accorder un congé sabbatique, ou un congé d’enseignement. Les instructeurs sont censés utiliser ce temps pour voyager, faire des recherches ou écrire. En 1937, Jones a obtenu une bourse pour se rendre à Paris pendant son congé sabbatique. Là-bas, elle attire l’attention d’Emile Bernard, un important peintre français de tableaux étranges aux significations insaisissables ; mais c’est aussi là qu’elle commence à puiser dans son propre héritage dans son travail. Paradoxalement, elle est arrivée à Paris plus peintre française que lorsqu’elle est partie. Elle y est arrivée et a commencé à peindre des scènes de rue traditionnelles des beaux boulevards, mais dans une ville qui acceptait facilement les personnes d’ascendance africaine et appréciait l’art africain, elle a commencé à réaliser l’immense valeur de ses propres traditions artistiques.

Les artistes populaires noirs américains avaient maintenu le patrimoine en vie de manière continue depuis leur arrivée sur les navires négriers ; mais une fois que les artistes afro-américains ont reçu une formation classique, ils ont eu tendance à dénigrer la valeur de leur propre tradition. C’est Jones qui a inversé cette tendance, et c’est son séjour à Paris qui lui a donné la confiance nécessaire pour créer des œuvres influencées de manière reconnaissable par l’art africain. À la fin de son séjour à Paris, elle a exposé sa peinture révolutionnaire,Les Fetiches.Peut-être son premier chef-d’œuvre,Les Fetiches est aujourd’hui accroché au National Museum of American Art.

À son retour aux États-Unis, Jones a eu sa première grande exposition solo aux Robert Vose Galleries à Boston. Elle est acclamée par la critique et conduit à une exposition après l’autre dans un flux qui se poursuit tout au long des années 1940. Jones a également été confrontée au racisme de l’establishment artistique blanc, mais elle a trouvé des moyens de contourner les préjugés. Elle a participé et remporté le concours Robert Woods Bliss de la Corcoran Galley, qui n’était pas ouvert aux Noirs, en demandant à un ami blanc de déposer et de récupérer son œuvre. L’ami blanc a également accepté le prix, de sorte que ce n’est que deux ans plus tard qu’elle a réclamé le crédit approprié pour sa peinture,Indian Shops, Gay Head.Elle a également pris un autre diplôme, celui-ci un A.B. dans l’enseignement de l’art de Howard et a obtenu magna cum laude.

Dealing with such tight strictures of racism after the freedom of Paris, Jones a apporté à son travail une nouvelle conscience sociale qui a été affichée dans des œuvres telles que MobVictim,une pièce dans laquelle elle a utilisé comme modèle un témoin d’un lynchage. Peu après son retour, elle a également rencontré Alain Locke, qui, avec Langston Hughes, était le poète le plus visible de la Harlem Renaissance. La Renaissance de Harlem, parfois appelée « New Negro Movement », était un centre de l’identité culturelle noire. Bien entendu, la nouvelle orientation de la peinture de Jones vers son propre héritage l’a beaucoup intéressé, et il l’a encouragée à traiter non seulement de son héritage culturel africain mais aussi des injustices sociales et raciales de sa société. Jones fera plus tard référence à son travail des années 1940 comme sa période Locke.

Découverte de la culture d’Haïti

En 1953, Jones inaugure une nouvelle phase de sa vie à la fois sociale et artistique lorsqu’elle épouse le graphiste haïtien, Louis Vergniaud Pierre-Noel. Ils passèrent leur lune de miel en Haïti, et Jones tomba amoureuse des gens et de l’activité du marché. Les éléments cubistes demeurent dans son travail, mais celui-ci acquiert un nouveau sentiment de liberté, et elle devient plus audacieuse avec les couleurs. En Haïti, elle a trouvé l’exubérance et l’a exprimée dans son art dans des œuvres telles quePeasants on Parade,qu’elle a réalisées environ dix ans après avoir vu Haïti pour la première fois.

Le mari de Jones travaillait comme designer pour l’Organisation mondiale de la santé des Nations unies, et elle voyageait fréquemment avec lui. Pourtant, de toutes les cultures qu’elle avait observées de près, celle d’Haïti continuait à l’influencer le plus. Dans les années 1970, elle produisait encore des peintures telles que sa très acclamée,Ubi Girl from the Tai Region,qui est aujourd’hui accrochée au Boston Museum of Fine Arts-une école qu’elle a un jour fréquentée mais dans laquelle elle n’a pas pu obtenir un poste d’assistante d’enseignement.

En 1969, l’université Howard a accordé à Jones une bourse pour aller en Afrique photographier et archiver le travail des artistes contemporains. Elle est revenue avec plus de 1 000 diapositives pour la bibliothèque d’Howard. Le voyage en Afrique a peut-être donné un nouvel élan à son travail, car elle a continué à combiner une ligne pure et des éléments décoratifs avec une tendance à l’abstraction aux couleurs vives. Dans les années 1970, le monde de l’art commence à reconnaître l’impact et l’importance de son art. Des rétrospectives de ses œuvres sont organisées au Boston Museum of Fine Arts et à la Howard University Gallery. En 1980, le président Jimmy Carter lui a remis un prix de reconnaissance internationale. D’autres rétrospectives ont suivi dans les années 1980 et 1990. Dans les années 1990, son art a été utilisé dans l’affiche du film cinématographique,Cry, the Beloved Country.

Cependant, au moment même où Lois Jones a commencé à obtenir la reconnaissance qu’elle mérite dans le monde de l’art au sens large, le monde de l’art redevient ségrégué – cette fois par choix, et non par force. De nombreux artistes noirs ont commencé à appeler au séparatisme, car ils estiment que les Blancs ne peuvent pas comprendre ou apprécier la base de leur art. Jones s’oppose catégoriquement à cette attitude. Elle a déclaré à un journaliste duWashington Post en 1995 : « Les artistes de races et de cultures différentes… ne font pas l’effort de se connaître comme avant… L’ignorance de ne pas se réunir est terrible. »

Jones a déclaré que les médias font également peu de cas des artistes noirs lorsqu’il s’agit de leur accorder réellement de l’attention. Elle a fait remarquer que ses propres expositions attirent un public majoritairement noir. Les Blancs ne connaissent pas son travail ou l’ignorent. Cela ne change rien à son espoir que « l’art afro-américain fera toujours partie de l’art américain… Je ne veux pas qu’il soit considéré comme quelque chose de séparé… séparé de mes collègues, et par là j’entends les autres artistes. Il y a un lien. L’art… peut aider à renforcer ce lien. »

Ouvrages sélectionnés

Les Fetiches,1938.

Boutiques indiennes, Gay Head,1941.

Victime de la foule,1944.

Ville d’Houdain,1949.

Peasants en parade,1962.

Vendeuses de Tissus,1964.

Fille Ubi de la région de Tai,1972.

Le Chien Sophistique,1994.